Relief rencontre Ser Serpas à Bruxelles

Un week-end récent, à l’entrée de l’exposition de Ser Serpas à la Bourse de commerce de Paris, une guide expliquait le sens du mot « hybride » à un groupe d’écoliers qui se tenaient devant les sculptures de l’artiste, des combinaisons contorsionnées d’objets trouvés drapés d’un tissu blanc, comme des meubles fantomatiques dans un grenier abandonné. Ce sont des formes hybrides, a-t-elle expliqué aux enfants ; un centaure est un autre exemple d’hybride. « C’est elle qui a réalisé ces sculptures », explique le guide. « Le centaure les a faites ? demanda un garçon.

Serpas aurait probablement apprécié la comparaison. Son travail, présenté dans des institutions et des galeries telles que le LUMA Westbau, à Zurich, le Swiss Institute, à New York, et, jusqu’au 9 décembre, à Maxwell Graham, à New York, suggère que nous sommes tous des hybrides infiniment variés. L’artiste examine également les thèmes de la transformation corporelle, à la fois chez les autres et chez elle (elle est trans), bien qu’elle ne se soit jamais explicitement identifiée dans ses peintures, qui peuvent faire référence à des photos de son corps ou de celui d’amis, ainsi qu’à des images anonymes d’avant et d’après la chirurgie plastique.

Pour son exposition à la Bourse de Commerce, intitulée  » J’ai peur  » (visible jusqu’au 22 janvier 2024), les sculptures de Serpas ont été construites avec un groupe d’artistes à partir d’un ensemble de cadres de lit béants, ainsi que d’un évier, de métal plié, de contreplaqué, de dispositifs de stockage et d’une chaise de bureau usée en similicuir. Lors d’une performance intitulée Basement Scene, organisée en septembre à la Bourse, cinq personnes ont collaboré avec Serpas pour créer les œuvres, accompagnées par son D.J. set, dans un élan d' »action fluide ». Elle compare l’expérience à une improvisation « bizarre à la Judson Church », mais aussi à un tournant décisif dans sa pratique.

« La façon dont tout s’est déroulé à la fin a été un véritable choc », a-t-elle déclaré lors d’une interview sur Zoom. « Dans cette performance, j’ai abandonné une grande partie de mon pouvoir, mais j’ai aussi créé quelque chose qui m’a transcendée. Plutôt que de travailler selon un plan établi, le processus a pris une vie propre.

« C’était un dernier effort pour [dire], ok, je peux mettre mon idée du travail de côté, parce que c’est beaucoup plus précieux comme point de libération pour les gens qui s’engagent dans la pratique, et pour se rendre compte qu’ils peuvent aussi y participer.

Serpas est née en 1995 à Los Angeles et travaille entre New York et Paris. Elle a travaillé à Tbilissi, en Géorgie, et à Genève, en Suisse ; dans cette dernière ville, elle a cofondé l’espace de projet Cherish avec Mohamed Almusibli, qui a récemment été nommé directeur de la Kunsthalle de Bâle.

En tant qu’artiste, Serpas s’intéresse au processus et se réfère à la culture pop et au cinéma, qu’elle combine avec un regard curieux. Elle peint et écrit de la poésie, mélangeant souvent les médiums ou peignant des gouttes illisibles sur les murs des galeries.

Après quelques années de reconnaissance internationale croissante, elle a déclaré qu’elle prenait du recul, du temps et entrait dans un état d' »apprentissage en profondeur ». L’heureux problème d’être très demandée – Serpas a une exposition à venir en mars au Museum Fridericianum, le lieu central de la Documenta, à Kassel – l’a obligée à quitter son espace de travail pendant trois mois.

L’artiste a également une liste ambitieuse de nouvelles directions qu’elle souhaite prendre. En plus de collaborer davantage avec des groupes (son expérience à la Bourse de Commerce se terminera par une performance de désinstallation), elle prévoit également de créer des œuvres d’art davantage basées sur la recherche et, plus important encore, de réaliser un film d’horreur de série B. « Il n’y a rien de plus effrayant qu’un film d’horreur de série B », explique l’artiste.

Il n’y a rien de plus effrayant quand on est resté si longtemps dans sa propre tête, dans son propre studio, que de se dire : « Oh, en fait, je veux faire un film et impliquer plusieurs personnes » », a-t-elle déclaré.

Mais Serpas se lance quand même dans l’aventure. L’artiste a grandi avec ce genre de films, qu’elle regardait avec sa mère. Elle cite la bande-annonce de Gummo, le film indépendant à succès de 1997 d’Harmony Korine, dont la bande-son est Like a Prayer de Madonna, comme étant « de loin ma plus grande influence lorsqu’il s’agit d’imaginer à quoi devrait ressembler une exposition que j’organise ». Elle s’inspire également d’artistes tels que Judith Scott, Lutz Bacher, Rosemarie Trockel, ainsi que de ce qu’elle appelle la « low-culture ».

Serpas n’a pas fréquenté les galeries et les musées avant le lycée. « Ma famille était une famille de première génération qui avait déménagé du Mexique et dont aucun membre n’avait travaillé dans le domaine artistique. La réalité et le niveau d’exposition étaient différents », explique-t-elle. Jusqu’à ce qu’elle commence à se déplacer dans la ville (elle a grandi dans le quartier de Boyle Heights à L.A.), la plupart de son exposition culturelle provenait de la télévision, des cinémas et des jeux vidéo.

L’artiste insère de manière irrévérencieuse ces influences dans des expositions par ailleurs « très austères », dans un monde de l’art qui ne s’est pas toujours montré ouvert à l’engagement. Elle s’est parfois sentie obligée d’utiliser son art pour réfuter les commentaires des marchands, des conservateurs et des universitaires, qui semblaient mal comprendre son objectif. Bien que cela

À la Bourse de Commerce, les sculptures qu’elle a créées en collaboration rejoignent de grandes toiles, présentées comme des peaux superposées suspendues pour sécher, se chevauchant sur une longue tringle à linge qui traverse toute la pièce. Elles représentent de la chair, des parties de corps et des torses sans tête, parfois griffés et presque frottés, à la limite de l’abstraction. Certains gestes picturaux ressemblent à des éclaboussures de sang, à des membres zoomés, à des marques de lutte, à des gestes. En arrière-plan, un son mélancolique et rayé rappelle la musique de bal des années 1920, commandée à une autre source d’inspiration importante, le musicien James Leyland Kirby.

Il n’est pas nécessaire de savoir comment ces objets ont été rassemblés, ni quelle réflexion les a conduits. En parcourant la galerie, on a l’impression de pénétrer sur la scène d’un décor théâtral désarticulé. C’est un espace de travail peuplé d’œuvres d’art créées avec une alternance d’attention minutieuse et d’angoisse fiévreuse, avant d’être abandonnées, du moins pour l’instant. Nous ne sommes pas sûrs de devoir être là.

« Je veux que tout ce que je produise ait un certain niveau de beauté. C’est mon objectif », a déclaré M. Serpas. « Lorsque [les œuvres] atteignent ce niveau, c’est qu’elles sont terminées. C’est la raison pour laquelle je suis capable de faire de l’improvisation si bien, parce que je sais ce que je trouve beau, et c’est une sorte de chaise en lambeaux sur le côté de la rue », a-t-elle ajouté. Lorsque je regarde une pièce et que je me dis « c’est beau », je peux passer à autre chose ». En s’améliorant, elle doit encore répondre à des questions sur les raisons pour lesquelles elle ne se montre pas plus distinctement dans ses œuvres. « Le langage que je parle est cette sorte d’obscurcissement forcé [du moi] », explique-t-elle, ce qui peut « ajouter à la mise en valeur de la forme ».

Mais certaines de ces premières discussions l’ont laissée dubitative : « Suis-je une sorte de pion dans cette industrie ? Ou bien le travail est-il bon ? » Ces questions ont évolué depuis. Elle a commencé à faire des œuvres « plus fidèles à un niveau plus profond de ce que je faisais », ce qui, entre autres choses, ne l’obligeait pas à sur-expliquer ses pièces exposées. L’abandon de son contrôle central « a rendu le spectacle meilleur et plus serré… mais c’était aussi très effrayant sur le moment », a-t-elle ajouté.

Son désir de travailler plus collectivement à l’avenir « n’est pas seulement un changement de pratique, mais aussi un changement dans la façon dont je veux vivre ma vie. Cela remplit quelque chose que je ne savais pas avoir besoin de remplir », a-t-elle expliqué.

Ser Serpas crée des paysages sculpturaux inquiétants. Il n’est pas étonnant que son prochain projet de rêve soit un film d’horreur.
La star émergente parle du film indépendant qui trouve la beauté dans les endroits les plus improbables.

Un week-end récent, à l’entrée de l’exposition de Ser Serpas à la Bourse de commerce de Paris, une guide expliquait le sens du mot « hybride » à un groupe d’écoliers qui se tenaient devant les sculptures de l’artiste, des combinaisons contorsionnées d’objets trouvés drapés d’un tissu blanc, comme des meubles fantomatiques dans un grenier abandonné. Ce sont des formes hybrides, a-t-elle expliqué aux enfants ; un centaure est un autre exemple d’hybride. « C’est elle qui a réalisé ces sculptures », explique le guide. « Le centaure les a faites ? demanda un garçon.

Serpas aurait probablement apprécié la comparaison. Son travail, présenté dans des institutions et des galeries telles que le LUMA Westbau, à Zurich, le Swiss Institute, à New York, et, jusqu’au 9 décembre, à Maxwell Graham, à New York, suggère que nous sommes tous des hybrides infiniment variés. L’artiste examine également les thèmes de la transformation corporelle, à la fois chez les autres et chez elle (elle est trans), bien qu’elle ne se soit jamais explicitement identifiée dans ses peintures, qui peuvent faire référence à des photos de son corps ou de celui d’amis, ainsi qu’à des images anonymes d’avant et d’après la chirurgie plastique.

Pour son exposition à la Bourse de Commerce, intitulée  » J’ai peur  » (visible jusqu’au 22 janvier 2024), les sculptures de Serpas ont été construites avec un groupe d’artistes à partir d’un ensemble de cadres de lit béants, ainsi que d’un évier, de métal plié, de contreplaqué, de dispositifs de stockage et d’une chaise de bureau usée en similicuir. Lors d’une performance intitulée Basement Scene, organisée en septembre à la Bourse, cinq personnes ont collaboré avec Serpas pour créer les œuvres, accompagnées par son D.J. set, dans un élan d' »action fluide ». Elle compare l’expérience à une improvisation « bizarre à la Judson Church », mais aussi à un tournant décisif dans sa pratique.

« La façon dont tout s’est déroulé à la fin a été un véritable choc », a-t-elle déclaré lors d’une interview sur Zoom. « Dans cette performance, j’ai abandonné une grande partie de mon pouvoir, mais j’ai aussi créé quelque chose qui m’a transcendée. Plutôt que de travailler selon un plan établi, le processus a pris une vie propre.

« C’était un dernier effort pour [dire], ok, je peux mettre mon idée du travail de côté, parce que c’est beaucoup plus précieux comme point de libération pour les gens qui s’engagent dans la pratique, et pour se rendre compte qu’ils peuvent aussi y participer.

Serpas est née en 1995 à Los Angeles et travaille entre New York et Paris. Elle a travaillé à Tbilissi, en Géorgie, et à Genève, en Suisse ; dans cette dernière ville, elle a cofondé l’espace de projet Cherish avec Mohamed Almusibli, qui a récemment été nommé directeur de la Kunsthalle de Bâle.

En tant qu’artiste, Serpas s’intéresse au processus et se réfère à la culture pop et au cinéma, qu’elle combine avec un regard curieux. Elle peint et écrit de la poésie, mélangeant souvent les médiums ou peignant des gouttes illisibles sur les murs des galeries.

Après quelques années de reconnaissance internationale croissante, elle a déclaré qu’elle prenait du recul, du temps et entrait dans un état d' »apprentissage en profondeur ». L’heureux problème d’être très demandée – Serpas a une exposition à venir en mars au Museum Fridericianum, le lieu central de la Documenta, à Kassel – l’a obligée à quitter son espace de travail pendant trois mois.

L’artiste a également une liste ambitieuse de nouvelles directions qu’elle souhaite prendre. En plus de collaborer davantage avec des groupes (son expérience à la Bourse de Commerce se terminera par une performance de désinstallation), elle prévoit également de créer des œuvres d’art davantage basées sur la recherche et, plus important encore, de réaliser un film d’horreur de série B. « Il n’y a rien de plus effrayant qu’un film d’horreur de série B », explique l’artiste.

Il n’y a rien de plus effrayant quand on est resté si longtemps dans sa propre tête, dans son propre studio, que de se dire : « Oh, en fait, je veux faire un film et impliquer plusieurs personnes » », a-t-elle déclaré.

Mais Serpas se lance quand même dans l’aventure. L’artiste a grandi avec ce genre de films, qu’elle regardait avec sa mère. Elle cite la bande-annonce de Gummo, le film indépendant à succès de 1997 d’Harmony Korine, dont la bande-son est Like a Prayer de Madonna, comme étant « de loin ma plus grande influence lorsqu’il s’agit d’imaginer à quoi devrait ressembler une exposition que j’organise ». Elle s’inspire également d’artistes tels que Judith Scott, Lutz Bacher, Rosemarie Trockel, ainsi que de ce qu’elle appelle la « low-culture ».

Serpas n’a pas fréquenté les galeries et les musées avant le lycée. « Ma famille était une famille de première génération qui avait déménagé du Mexique et dont aucun membre n’avait travaillé dans le domaine artistique. La réalité et le niveau d’exposition étaient différents », explique-t-elle. Jusqu’à ce qu’elle commence à se déplacer dans la ville (elle a grandi dans le quartier de Boyle Heights à L.A.), la plupart de son exposition culturelle provenait de la télévision, des cinémas et des jeux vidéo.

L’artiste insère de manière irrévérencieuse ces influences dans des expositions par ailleurs « très austères », dans un monde de l’art qui ne s’est pas toujours montré ouvert à l’engagement. Elle s’est parfois sentie obligée d’utiliser son art pour réfuter les commentaires des marchands, des conservateurs et des universitaires, qui semblaient mal comprendre son objectif. Bien que cela

À la Bourse de Commerce, les sculptures qu’elle a créées en collaboration rejoignent de grandes toiles, présentées comme des peaux superposées suspendues pour sécher, se chevauchant sur une longue tringle à linge qui traverse toute la pièce. Elles représentent de la chair, des parties de corps et des torses sans tête, parfois griffés et presque frottés, à la limite de l’abstraction. Certains gestes picturaux ressemblent à des éclaboussures de sang, à des membres zoomés, à des marques de lutte, à des gestes. En arrière-plan, un son mélancolique et rayé rappelle la musique de bal des années 1920, commandée à une autre source d’inspiration importante, le musicien James Leyland Kirby.

Il n’est pas nécessaire de savoir comment ces objets ont été rassemblés, ni quelle réflexion les a conduits. En parcourant la galerie, on a l’impression de pénétrer sur la scène d’un décor théâtral désarticulé. C’est un espace de travail peuplé d’œuvres d’art créées avec une alternance d’attention minutieuse et d’angoisse fiévreuse, avant d’être abandonnées, du moins pour l’instant. Nous ne sommes pas sûrs de devoir être là.

« Je veux que tout ce que je produise ait un certain niveau de beauté. C’est mon objectif », a déclaré M. Serpas. « Lorsque [les œuvres] atteignent ce niveau, c’est qu’elles sont terminées. C’est la raison pour laquelle je suis capable de faire de l’improvisation si bien, parce que je sais ce que je trouve beau, et c’est une sorte de chaise en lambeaux sur le côté de la rue », a-t-elle ajouté. Lorsque je regarde une pièce et que je me dis « c’est beau », je peux passer à autre chose ». En s’améliorant, elle doit encore répondre à des questions sur les raisons pour lesquelles elle ne se montre pas plus distinctement dans ses œuvres. « Le langage que je parle est cette sorte d’obscurcissement forcé [du moi] », explique-t-elle, ce qui peut « ajouter à la mise en valeur de la forme ».

Mais certaines de ces premières discussions l’ont laissée dubitative : « Suis-je une sorte de pion dans cette industrie ? Ou bien le travail est-il bon ? » Ces questions ont évolué depuis. Elle a commencé à faire des œuvres « plus fidèles à un niveau plus profond de ce que je faisais », ce qui, entre autres choses, ne l’obligeait pas à sur-expliquer ses pièces exposées. L’abandon de son contrôle central « a rendu le spectacle meilleur et plus serré… mais c’était aussi très effrayant sur le moment », a-t-elle ajouté.

Son désir de travailler plus collectivement à l’avenir « n’est pas seulement un changement de pratique, mais aussi un changement dans la façon dont je veux vivre ma vie. Cela remplit quelque chose que je ne savais pas avoir besoin de remplir », a-t-elle expliqué.