L’artiste pionnière Niki de Saint Phalle, décrite comme une « dadaïste américaine » par le critique d’art John Ashbery et comme « la première femme libre » par Gloria Steinem, fait l’objet d’une grande rétrospective à la Menil Collection (jusqu’au 23 janvier 2022), centrée sur les « tableaux de tir » radicaux qu’elle a réalisés entre 1961 et 1963, appelés Tirs. L’exposition et la publication Niki de Saint Phalle in the 1960s, tout en abordant les célèbres sculptures Nana de Saint Phalle représentant des figures féminines bulbeuses, explorent principalement les Tirs à travers des photographies inédites, certaines montrant l’artiste brandissant le fusil de calibre 22 qu’elle utilisait pour réaliser ses œuvres, et d’autres montrant l’artiste aux côtés de ses collaborateurs, parmi lesquels Robert Rauschenberg et Jasper Johns. Un essai de Michelle White, conservateur principal du Menil, vise à contextualiser l’œuvre de Saint Phalle dans le contexte de la montée du féminisme de la deuxième vague, sans limiter la lecture de son œuvre à ce mouvement. Elle écrit :
À partir des années 1990, l’artiste a commencé à écrire abondamment sur sa vie et a annoncé publiquement pour la première fois que l’une des raisons pour lesquelles elle avait commencé à peindre, à l’âge de 22 ans, était un fantasme de vengeance après des abus sexuels. Le fait qu’elle ait partagé ce récit, ainsi que ses conséquences émotionnelles, était courageux et nous aide à interpréter son œuvre. Le problème est que cette histoire d’origine, qui situe ses ambitions principalement dans son corps et sa biographie, a obscurci le regard critique. Les historiens de l’art ont continué à renforcer l’affirmation, qui s’est imposée dans les années 1960, selon laquelle Saint Phalle était un outsider sans formation, utilisant des termes tels que « non encombré par les paradigmes dominants » et « non inhibé par les critères étroits de l’art moderniste ou les shibboleths académiques » pour la sortir essentiellement de l’histoire.
Ces exemples démontrent les puissants obstacles à l’interprétation de l’œuvre de Saint Phalle comme une réfutation formelle et conceptuelle astucieuse du modernisme. Le grand paradoxe de cette circonstance est que l’artiste, comme ses contemporains, souhaitait en fait s’engager profondément avec son public. En demandant prophétiquement aux autres de participer à la coloration du monde extérieur, elle amenait les spectateurs à l’intérieur de ses œuvres par une danse intime, ludique et violente qui était, au fond, une attaque brillante et littérale contre le plan de l’image moderniste et contre le retrait ésotérique et esthétique de la réalité que la surface peinte, en 1961, était venue représenter si puissamment. Comme l’a déclaré Saint Phalle : « Vous êtes le médium ! »
Le livre comprend également des essais de Jill Dawsey, conservatrice en chef du Museum of Contemporary Art San Diego, où l’exposition sera présentée au printemps 2022, ainsi que d’Amelia Jones, Ariana Reines et Alena J. WIlliams, avec des contributions supplémentaires de Molly Everett et Kyla McDonald.
Photographies du livre :
Niki de Saint Phallle in the 1960s, Jill Dawsey and Michelle White, avec des essais d’Amelia Jones, Ariana Reines et Alena J. Williams, et des contributions de Molly Everett et Kyla McDonalds, Yale University Press, 248pp, $50 (hb).
