Pendant la pandémie, nous avons tous observé avec fascination le chat Reddit WallStreetBets qui a fait des ravages sur le marché boursier. Si ces day-traders ont réalisé d’importants bénéfices, ils ont également fait un doigt d’honneur à l’establishment financier en essayant de prouver que le marché boursier n’a souvent aucun fondement dans la réalité.
Une dynamique similaire se joue actuellement sur le marché de l’art, alors que des coalitions apparentes de collusionneurs de tendances se rallient au « mème art » : souvent des peintures figuratives réalisées par de jeunes artistes sans grand fondement historique. Et cela pourrait provoquer une crise massive de la valorisation de l’art.
Décrivons le 20e siècle comme ayant, faute d’un meilleur terme, un « mode traditionnel de création de valeur » – un mode dans lequel la valeur critique et esthétique est inextricable de la valeur financière et d’investissement.
Comprendre comment la valeur est générée dans le monde de l’art est compliqué, abstrait, et peut conduire à la suspicion. En matière d’esthétique, il y a parfois confusion sur les mérites d’une innovation formelle qui semble être « quelque chose qu’un enfant pourrait faire ». La valeur esthétique, quant à elle, fonctionne différemment de la valeur d’usage, faisant de l’art un type de marchandise inhabituel, qui ne se prête pas à des analyses statistiques claires.
Néanmoins, dans le mode traditionnel, la valeur monétaire attribuée à une œuvre d’art est le fruit d’un long processus de qualification – un parcours consensuel entre conservateurs, artistes, collectionneurs, critiques, historiens de l’art, directeurs de musées, organisations à but non lucratif, etc. On peut être d’accord ou non avec le consensus, mais quoi qu’il en soit, il existe des points de référence essentiels autour desquels organiser la valeur.
Bien sûr, ce système a ses défauts : notamment le fait que les personnes formées qui occupent cet espace étaient presque exclusivement, jusqu’à très récemment, des hommes blancs. Il existe également des entités qui monopolisent les œuvres de certains artistes, exerçant un contrôle sur leurs marchés. Et il y a des corrections valables à apporter. Mais malgré ces défauts, il y a toujours eu une compréhension importante du fait que vous ne pouvez pas séparer la valeur esthétique de la valeur financière.
Au XXIe siècle, avec l’accélération post-pandémique du flux d’informations, nous assistons à une dangereuse érosion de cette relation symbiotique. Cette rupture découle d’une dynamique de tarification émergente et insidieuse : le « nouveau mode de création de valeur ».
Dans ce nouveau paradigme, l’esthétique et le sens critique sont supplantés par l’agrégation d’informations utilisées pour identifier les tendances du marché avant les autres, dans le seul but de réaliser des gains financiers. Dès lors que la création de valeur dans l’art est uniquement motivée par le profit, nous nous dirigeons vers un terrain glissant. Le jugement n’est plus entre les mains de l’histoire ou des experts, mais rendu immédiatement par les soi-disant influenceurs du monde de l’art, dont le pouvoir de persuasion ne repose pas sur une formation ou des décennies d’expérience, mais plutôt sur le nombre de leurs adeptes.
Dans cette économie basée sur les fans, l’art n’a plus besoin d’être expérimenté physiquement ou d’être historiquement contextualisé. En fait, l’objet lui-même n’a plus d’importance, ne laissant qu’une image qui signifie un profit potentiel, rien de plus. Ce constat devrait constituer un appel urgent au débat. Le coup de grâce potentiel porté à un mode traditionnel de création de valeur devrait inquiéter sérieusement quiconque souhaite défendre la véritable essence, le pouvoir et la capacité de l’art à inspirer, éduquer, inciter à l’action et nous rappeler que nous sommes humains.
Quatre facteurs favorisent cette crise : la primauté des ventes aux enchères, l’effondrement de la vente du soir, l’expansion du prêt d’œuvres d’art et l’émergence d’une nouvelle forme d’évaluation.
En ce qui concerne les ventes aux enchères, le marché de l’art ne se réfère soudainement qu’aux résultats de cette semaine, ignorant les ventes primaires et secondaires, sans parler de l’examen des facteurs tangentiels qui ont conduit aux chiffres annoncés.
Ensuite, il y a l’effondrement de la vente du soir. Ce qui était autrefois une sélection soignée d’œuvres d’art historiquement significatives s’est désintégré en une vente du soir pour la merde dont nous savons que nous pouvons en tirer profit cette semaine, un mélange d’objets de collection, de NFT, d’un T-Rex et de quelques baskets, mélangés à une grande quantité d’œuvres d’art récentes et non qualifiées et peut-être une poignée de chefs-d’œuvre qui méritent le statut de vente du soir.
Entre-temps, le prêt d’œuvres d’art a explosé avec le développement de l’art banking, qui prétend rendre le marché de l’art transparent pour les clients fortunés de la banque. Bien entendu, la transparence ne signifie pas ici la révélation des machinations réelles qui se cachent derrière une vente d’art ou la justification de l’évaluation qualitative d’une œuvre particulière. Il s’agit plutôt d’un code de banquier pour une valeur calculable basée sur l’historique du marché (c’est-à-dire des ventes aux enchères), tel qu’il est inséré dans des grilles, des graphiques et des prévisions. (L’idée d’une prévision de marché pour un artiste est hilarante si vous comprenez vraiment les nuances incroyables non seulement au sein de leur œuvre mais aussi dans la durée de vie d’œuvres spécifiques).
Enfin, cela nous amène à mon sujet préféré : les évaluations nécessaires pour les prêts. La juste valeur marchande (JVM) d’une œuvre n’est plus évaluée occasionnellement afin d’assurer correctement sa collection. Au lieu de cela, il existe une nouvelle évaluation en « temps réel » qui ne prend en compte que l’historique des ventes aux enchères récentes.
À l’insu de la plupart des collectionneurs, la plupart des objets qu’ils possèdent ont beaucoup moins de valeur qu’une évaluation typique de la JVM. J’ai vu des évaluations effectuées pour une banque qui prenaient une nouvelle œuvre sur le marché primaire d’un artiste de premier ordre dont le catalogage est plus critique que la plupart des autres et qui réduisaient le prix d’achat de moitié simplement parce que l’œuvre ne se négocie pas actuellement aux enchères (même si elle se vend à de grands collectionneurs non spéculateurs sur le marché primaire).
L’idée d’une évaluation en temps réel est digne de l’ambre et de l’alerte. Elle suggère qu’après chaque vente aux enchères, votre œuvre d’art doit être réévaluée, ce qui laisse beaucoup d’œuvres d’art réelles incapables de générer un prêt. Et si les vrais collectionneurs achètent généralement par amour, ils se soucient certainement de savoir si leur œuvre d’un million de dollars vaut soudainement 500 000 dollars. Tout cela est renforcé par les nombreuses start-ups technologiques qui développent des applications vous encourageant à vérifier constamment la valeur d’investissement de votre collection. J’ai siégé au comité consultatif d’une startup fin-tech qui insistait pour être capable de déduire algorithmiquement cette valeur en temps réel – c’est alors que je me suis rapidement retiré de la conversation.
Si cette érosion de la valeur traditionnelle persiste, nous aurons de gros problèmes. Les collectionneurs ne se sentiront plus en sécurité pour acheter de l’art véritable. La spéculation prévaudra. La collection d’œuvres d’art se transformera en commerce de jour et en jeux d’argent. Les artistes émergents ayant peu de qualifications critiques, ou les artistes qui ont du potentiel mais qui sont simplement trop émergents pour être exposés à la lumière des ventes aux enchères, subiront des hausses de prix qui provoqueront des ventes à découvert ainsi qu’une demande hyper-exagérée sur le marché primaire. Il s’ensuivra des chutes de prix, et non des ajustements.
La valeur basée sur l’information sociale n’a rien à foutre de la longévité – elle ne se soucie que du moment présent. Et qu’arrive-t-il à ceux qui spéculent sur ces œuvres d’art ? Existe-t-il un potentiel de revente pour les premières œuvres d’un artiste en formation dont la peinture coûte 25 000 dollars sur le marché primaire et vient de se négocier aux enchères pour 3 millions de dollars ? C’est très improbable. Cela rappelle la récente débâcle dans laquelle le premier tweet de Jack Dorsey s’est vendu 2,9 millions de dollars en tant que NFT en mars 2021, puis n’a pas réussi à se revendre ne serait-ce que 1 000 dollars l’année suivante. La seule chose qui soutenait la vente initiale était le bruit, et le bruit ne dure pas.
Alors que faire maintenant ? Existe-t-il des solutions ? Le plus urgent est de comprendre la différence entre les modes traditionnels et nouveaux de création de valeur et d’éduquer les gens à leur sujet. Nous pourrions publier les ventes primaires, les transactions privées et l’historique des expositions au même endroit que les prix des enchères, afin qu’un mécanisme de recherche tienne compte de toutes les informations. Il pourrait exister un site Wiki sur lequel des personnes vérifiées publieraient les prix de vente, ou peut-être les artistes téléchargeraient-ils les informations relatives aux prix sur la blockchain. Les maisons de vente aux enchères devraient refuser d’accepter les œuvres d’artistes qui n’ont pas atteint certains seuils critiques, et ne devraient pas mélanger les objets de collection avec les œuvres d’art. Les journaux et les magazines devraient charger des journalistes de couvrir l’art lui-même et pas seulement le marché des enchères. Enfin, les évaluations des banques devraient respecter la JVM plutôt que d’être recalibrées après chaque vente aux enchères.
Peut-être qu’aucune de ces idées n’est valable, mais quelque chose doit être fait. L’art est tellement plus que le marché. Nous avons la chance de travailler autour de lui, mais nous devons nous battre pour sa survie. Sinon, notre réalité commencera à ressembler beaucoup plus au Loup de Wall Street.
