Dans les derniers jours de la Biennale de Venise 2019, l’artiste multi-hyphénisée, musicienne et force culturelle Solange Knowles a investi le dramatique Teatro alle Tese de l’Arsenale pour mettre en scène sa toute nouvelle pièce d’art performance, « In Past Pupils and Smiles »(2019). L’œuvre a été jouée en direct avec des musiciens, des danseurs, des chanteurs et un groupe de 16 femmes noires surnommées « The Gatekeepers », une troupe de danseurs qui ont été invités de toute l’Europe pour participer à la pièce.
Pour Knowles, l’œuvre était une réponse à une période de transition et d’incertitude qu’elle comparait à la présence de boue, d’où la teinte brun foncé du décor et des costumes minimalistes. Elle s’appuie sur des pièces d’art performance que Knowles avait présentées plus tôt dans l’année, notamment Witness ! (2019) à l’Elbphilharmonie de Hambourg et Bridge-s (2019), mise en scène au Getty Center de Los Angeles une semaine auparavant. Elle portait également l’influence de When I Get Home (2019), le film qui accompagnait son album du même nom, acclamé par la critique.
« In Past Pupils and Smiles » – produit par l’Arts Council England et faisant officiellement partie de la série « Rencontres sur l’art » de la Biennale, organisée par Aaron Cezar, directeur de la Fondation Delfina – n’a été présenté publiquement qu’une seule fois, mais des photographies de cette performance et d’une autre mise en scène strictement à des fins de documentation sont au cœur d’un nouveau livre de l’éditeur montréalais Anteism, qui sort le 23 août. Knowles parle ici de la genèse de la pièce, de l’évolution de sa signification pour elle au cours des deux années tumultueuses qui ont suivi sa création et de l’ancêtre de l’art de la performance qui a influencé la façon dont elle documente son travail.
Propos recueillis par Jonathan PACE pour Relief
Relief : Vous avez dit de « In Past Pupils and Smiles » qu’il s’agissait d’un « moment de deuil » et d’un « moment pour exprimer combien le chagrin vient de la perte ». En y repensant après plus de deux ans d’une perte et d’un deuil énormes (et continus), comment votre compréhension ou votre appréciation de l’œuvre a-t-elle changé ?
Solange Knowles : Je pense que le processus de deuil est tellement spécifique à nos propres histoires individuelles, mais le deuil collectif que nous avons fait ces deux dernières années… Je pense que nous ne connaissons pas et ne connaîtrons pas les effets de cela avant longtemps. J’ai commencé à faire le deuil d’un grand nombre de pertes dans ma propre vie avant la sortie de cette pièce, en réfléchissant vraiment aux choses pour lesquelles j’avais besoin de crier, de faire des crises, de faire des roulements de nuque, et ce spectacle était en quelque sorte ma façon de dire que je n’aurai pas toujours de la grâce et que je n’en donnerai pas toujours, et c’est bien ainsi.
Lorsque nous allons dans l’au-delà, notre famille et nos amis ont une « veillée » pour voir le corps, et pour donner un moment pour répondre au sentiment écrasant qui accompagne la perte. Ce spectacle était en quelque sorte ma propre veillée funèbre, où j’ai vu mon corps et celui des femmes qui partagent mon chagrin. Parfois, lors d’un service, on peut tout retenir jusqu’à ce que la musique commence. J’ai eu l’impression qu’à partir du moment où les premières sirènes ont retenti, c’est devenu un appel à tout laisser sortir. Pour que le spectacle soit l’espace où il n’y a pas besoin de se retenir. De nombreuses femmes noires que je connais ont commencé à s’asseoir avec leurs traumatismes et à faire un travail intérieur profond pendant cette période, et il sera intéressant de voir à quoi cela ressemble pour nous toutes, d’une génération à l’autre. Je souhaite la paix pour nous tous dans ces nouvelles prises de conscience.
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Pour le spectacle, vous avez invité 16 femmes noires de toute l’Europe – les Gatekeepers – à participer. Comment leurs expériences et leurs perspectives ont-elles influencé et façonné le spectacle ? Comment vos interactions avec elles ont-elles influencé votre perception de la pièce ?
J’ai appelé cette pièce « In Past Pupils and Smiles » pour honorer les interactions quotidiennes que j’ai avec les femmes noires qui m’ont sauvé. Il y a un certain contact visuel ou un sourire que nous nous donnons les uns aux autres lorsque nous nous sentons le plus vus, entendus, protégés et reconnus. Ces moments sont sacrés pour moi.
Je trouve que beaucoup de choses racistes se produisent lorsque vous voyagez – dans les aéroports, aux comptoirs d’enregistrement des hôtels, dans les restaurants, dans les endroits loin de chez vous – lorsque vous êtes déjà si vulnérable. Les regards que me lancent les femmes noires dans ces environnements me donnent l’impression d’être embrassée dans ces moments-là. Ces regards me retiennent. Je sais qu’elles connaissent l’histoire sans avoir à dire un seul mot. Inviter ces femmes à participer au spectacle a été un moment décisif dans le processus. La pièce est devenue une offrande pour elles.
Avant que les gardiens ne deviennent des personnes qui conçoivent des espaces dont ils nous empêchent d’entrer – des espaces auxquels les gardiens ont décidé que nous n’appartenions pas – il y avait des histoires et des écritures sur les gardiens des temples. Ils étaient l’épine dorsale du temple et de toutes les façons dont il fonctionnait. J’ai conçu la scénographie pour garder l’espace centré, pour construire une force énergétique sur la place. Ces femmes étaient les gardiennes de cette énergie et on leur rendait la pareille. Nous nous protégions mutuellement. Je me souviens que la veille de la première représentation, j’ai demandé à tous les artistes de n’avoir qu’un contact visuel avec les femmes et entre eux, et avec personne en dehors de la place pour regarder la pièce. Cela garantissait l’intentionnalité des offrandes. Nous n’avons joué que pour ces femmes et, à la fin de la représentation, nous avions tous dit tant de choses les uns aux autres sans dire un seul mot.
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Venise est un lieu chargé de symboles, tant par son existence précaire actuelle, à l’avant-garde de la catastrophe climatique, que par son histoire en tant que centre de la culture et du commerce européens, dont une grande partie des richesses a été obtenue par la colonisation et l’exploitation. Comment avez-vous réfléchi au poids symbolique de ce site lors de l’élaboration de « In Past Pupils and Smiles » ?
La création d’un monde est au cœur de mon travail depuis si longtemps que, lorsque je pénètre dans un espace, je tiens compte de l’histoire, de la symbolique, du passé, du présent et de l’avenir, mais je me concentre surtout sur le monde que je peux créer dans cet espace. Dans cette pièce particulière, l’architecture historique a pesé lourdement sur moi. J’ai accordé beaucoup d’attention aux colonnes, sur lesquelles je me suis appuyé dans des œuvres antérieures. J’ai décidé de les ignorer pour cette pièce. En ignorant l’architecture, et en poursuivant le langage de mon film When I Get Home (2019), c’était le moment de créer mon propre colisée. C’était le moment de creuser dans le sol et de mettre mes mains et mes pieds dans la boue. J’ai vraiment affiné les façons dont je pouvais donner vie à ce sentiment.
Les inondations qui se sont produites pendant que nous étions là-bas avaient quelque chose de sinistre. Ma costumière portait littéralement les costumes dans des valises au-dessus de sa tête, avec de l’eau jusqu’aux genoux sur les trottoirs. Nous venions de jouer au Getty et quelques semaines avant le spectacle, il y avait des feux de forêt. Mère Nature avait définitivement essayé d’attirer notre attention pendant ces spectacles.
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L’art de la performance, en particulier lorsqu’il est présenté dans des destinations comme la Biennale de Venise, touche souvent davantage de spectateurs par le biais de la documentation (qu’il s’agisse de vidéos, de photos ou de livres) ; lorsque vous travailliez sur « In Past Pupils and Smiles », comment avez-vous pensé à l’après-vie de la pièce dans les médias et la documentation, et comment cela a-t-il influencé la performance ?
Je pense à Ceremony for Freeway Fets (1978) de Senga Nengudi et aux images de cette pièce, et à quel point elles ont eu un impact sur moi, à quel point elles ont influencé ma façon de voir le monde et l’art performance. Sans ces images, le contexte dans lequel je conçois l’art de la performance serait entièrement différent. Je m’en souviens très bien lorsque je réfléchis à la façon dont je documente mon propre travail et à la raison pour laquelle je le fais. Je laisse ces images et ce texte derrière moi pour une génération future.
Il est important que l’œuvre continue de vivre longtemps après mon départ. C’est pourquoi il est important de faire des choix intemporels. Lorsque nous avons documenté ces images, j’ai demandé au photographe de les prendre en photo pendant que nous jouions, puis à nouveau pendant que nous jouions la pièce sans public. Cela a modifié notre posture, notre contact visuel, la façon dont nous posions nos mains. J’aime regarder le livre et être capable d’identifier les images de chaque prise.
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« In Past Pupils and Smiles » a suivi d’autres pièces que vous avez montées en 2019, Witness ! et Bridge-s. Comment vos expériences avec ces pièces précédentes ont-elles influencé votre approche avec « In Past Pupils and Smiles » ? Et, à son tour, comment l’expérience du développement, des répétitions et de la représentation de cette pièce à Venise (et sa revisite pour ce livre) a-t-elle influencé la façon dont vous envisagez les pièces futures » ?
Tout mon travail évolue dans la pièce suivante. Je reprends constamment les thèmes que j’ai explorés dans les spectacles précédents et je me sers de la pièce suivante pour creuser plus profondément, explorer davantage [et] poser de nouvelles questions. Witness ! a vraiment inspiré le paysage musical de « In Past Pupils et Smiles ». C’était en quelque sorte mon introduction au travail sur de nouvelles compositions musicales dans cet espace et il a été merveilleux de voir l’évolution des sons et du langage dans la musique. J’ai mis au point un système de comptage pour ces pièces qui a vraiment jeté les bases de ma façon de composer, et ces premières œuvres m’ont donc beaucoup aidée dans ma façon de travailler sur les pièces de performance.
Bridge-s et « In Past Pupils and Smiles » ont beaucoup de points communs puisqu’ils font appel aux mêmes chorégraphes et danseurs. Cependant, alors que Bridge-s se tourne vers la lumière et embrasse vraiment l’architecture, « In Past Pupils and Smiles » embrasse l’obscurité et crée sa propre architecture. Cela devient du théâtre.
Je me tourne vers l’avenir et je suis impatient de trouver de nouvelles maisons pour ces pièces. Elles ont encore beaucoup de vie devant elles.
Solange Knowles, « In Past Pupils and Smiles », Anteism, 188pp, $55, parution le 23 août.
