Bonne année. En ce début d’année, voici une liste de quelques-uns des sujets qui ont semblé façonner l’art en 2021 – et comment ils sont susceptibles d’évoluer en 2022.
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Tout ce qui est immersif
Le Van Gogh immersif a régné sur l’année, avec de multiples versions du phénomène en compétition pour le Big Fun Art dollar. Suivant l’exemple de Van Gogh, un grand nombre d’entreprises ont lancé des expériences inspirées de n’importe quel artiste dont le nom est reconnu, qu’il s’agisse de trois Monet immersifs distincts, de Frida et Diego immersifs (“Mexican Geniuses”) ou de Francisco Goya immersif (“InGoya”).
Meow Wolf, le collectif d’art expérimental devenu société d’art expérimental, a ouvert de nouveaux environnements de grande envergure, dont son “Omega Mart” à Vegas, qui faisait partie de Area15, une zone d’expérience immersive dédiée à Sin City. Pendant ce temps, Superblue, l’emporium Big Fun Art affilié à Pace, a ouvert un espace dédié à Miami, avant que les conservateurs de Superblue ne réalisent une exposition du groupe de design-art DRIFT au Shed, remplissant l’espace avec le spectacle de blocs de pierre défiant la gravité.
Dans le flou post-vax, pré-Omicron du milieu de l’année 2021, les gens cherchaient à retourner dans le monde et à être entourés de gens, et la popularité de ces attractions para-artistiques est devenue l’une des manifestations de ce besoin. Et pourtant, il s’agit là d’événements résolument high-tech, qui privilégient l’augmentation numérique de l’art existant et l’interactivité par rapport à l’objet d’art traditionnel et au simple fait de regarder. Les spectateurs de Columbus, dans l’Ohio, qui se sont rendus au musée local pour assister à l’exposition “Through Van Gogh’s Eyes” ont été déçus de constater qu’il s’agissait de l’ennuyeux Van Gogh réel et non du nouveau Van Gogh numérique.
Donc, par-dessus tout, la popularité de “Immersive Everything” a montré comment une période d’un an de vie culturelle existant principalement sur des plates-formes technologiques a modifié la façon dont les gens pensent à la culture, en donnant à “l’art” une transformation permanente en cyborg.
Ce qui m’amène à…
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Le NFTakover
C’est arrivé vite, n’est-ce pas ? Pendant des années, les galeries ont cherché à trouver un moyen d’enthousiasmer l’argent de la technologie pour la collection d’art contemporain, sans succès. 2021 est l’année où tout a changé – en quelque sorte. Il serait peut-être plus juste de dire que les technologues et les investisseurs se sont trouvés un monde de l’art bien à eux, en partie à l’image de leurs flux financiers mercantiles et de leur évangélisation “l’internet nous sauvera”. Comme la technologie et la finance sont déjà si dominantes dans le façonnement des désirs et des aspirations de la société, il n’a pas été difficile de faire basculer toute la conversation culturelle dans cette direction, et rapidement.
Les prix vraiment gigantesques des NFT aux enchères en ont fait un phénomène de la culture populaire, même si la vente de 69 millions de dollars de Beeple’s Everydays en mars 2021 chez Christie’s semble avoir été avant tout une pièce spectaculaire de marketing pour dire “c’est réel”, amener tout le monde à s’intéresser aux NFT, et ainsi donner aux crypto-monnaies une utilisation réelle. Depuis, rien n’a égalé ce sommet (à moins que vous ne comptiez la dynamique complexe et abrutissante de la vente Merge de Pak pour Nifty Gateway de centaines de NFT liés entre eux et unis par un jeu d’investissement commun, de type roue dans la roue, qui a rapporté 91,8 millions de dollars à plus de 200 000 acheteurs début décembre, faisant de Pak l’artiste le plus cher du monde).
Il est faux de dire que le monde de l’art “traditionnel” était totalement hostile à cette tendance, puisque c’est un artiste des nouveaux médias bien connu, Kevin McCoy, qui a eu l’idée du NFT, tandis que les maisons de vente aux enchères Christie’s et Sotheby’s, vieilles de plusieurs siècles, ont mené la charge pour les populariser. Ce qui est vrai, c’est que les artistes traditionnels qui tentent d’entrer dans l’espace de la cryptographie, même ceux qui ont travaillé avec des technologies numériques, n’ont pas eu autant de chance que ceux qui sont considérés comme des créatures natives de la scène de la cryptographie, ce qui a poussé les critiques à se familiariser avec des personnages portant des noms comme XCOPY, Fewocious, Frenetik Void, Hackatao et SlimeSunday. (Une exception partielle a été Damien Hirst, qui a compris que la clé n’était pas l’esthétique mais l’investissement par le jeu – bien que, nota bene, le projet “The Currency” de Hirst soit en baisse depuis son pic d’août).
Lisez mon article de NFT.NYC pour une capsule temporelle. Mais les choses évoluent rapidement… Nous verrons ce que cette année nous réserve.
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Reckoning
Alors même que la vague d’art immersif à but lucratif promettait de l’éblouissement et que les NFT construisaient un nouveau pôle d’attraction autour de mèmes étourdissants, les musées d’art et les biennales sont allés dans l’autre sens, se concentrant sur une comptabilité sombre et un sentiment progressiste. De la toile de cauchemar frénétique de Céleste Dupey-Spenser sur l’émeute du 6 janvier (présentée avec un cycle d’autres peintures évoquant le côté sombre des États-Unis à l’exposition Prospect De la toile de cauchemar de Celeste Dupey-Spenser sur l’émeute du 6 janvier (présentée avec un cycle d’autres peintures évoquant le côté sombre des États-Unis à la triennale Prospect New Orleans) à la vénération méritée des œuvres autobiographiques de Winfred Rembert sur le travail en prison, les atrocités policières et le lynchage (à la fois à Fort Gansevoort et dans une autobiographie bien accueillie, Chasing Me to My Grave), différentes versions du ” compte à rebours ” historique ont été le thème explicite ou implicite d’une grande partie de l’art de l’année dernière, de manière émouvante (bien que l’ouvrage ” History as End ” de l’historien Matt Karp, une critique réfléchie de l’approche de la culture libérale dominante pour revisiter les traumatismes historiques, me semble de plus en plus être une lecture essentielle également).
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La nouvelle Renaissance noire
Au début de 2021, HBO a laissé tomber le documentaire Black Art : In the Absence of Light, tandis que le magazine Time tournait ses pages vers l’auteur de How to Be an Anti-Racist, Ibram X. Kendi, pour dire que nous étions dans une “Nouvelle Renaissance noire”, offrant une liste d’œuvres canoniques du mouvement, des portraits d’Obama par Kehinde Wiley et Amy Sherald au Shopping Bag de Telfar Clemens. Los Angeles s’est mise au travail sur Destination Crenshaw, un vaste boulevard d’art public dédié aux artistes noirs. Le Metropolitan Museum of Art a ouvert une “Period Room afrofuturiste”. Au moment où, au début de l’année dernière, Buzzfeed a déclaré que l’auteur du New Black Vanguard, Antwaun Sargent, était le “critique le plus sexy du monde de l’art”, il avait transcendé ce statut en devenant directeur de la galerie la plus puissante du monde, Gagosian. Il a ensuite organisé une exposition très médiatisée d’œuvres d’artistes noirs socialement engagés et a fait une apparition dans la nouvelle version de Gossip Girl, qui cherchait elle-même à recentrer son image de l’élite new-yorkaise avec un personnage principal noir et un ensemble considérablement moins blanc.
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La vague de restitution
Le mouvement de restitution des objets coloniaux pillés s’est accéléré de façon spectaculaire en 2021. L’histoire phare a sans doute été celle des bronzes du Bénin, les musées de toute l’Europe envisageant – et dans certains cas, exécutant effectivement des plans concrets – de restituer ces trésors. En avril, l’Allemagne a annoncé qu’elle commencerait à restituer les bronzes des collections nationales en 2022, tandis que deux musées universitaires du Royaume-Uni ont suivi de près. La National Gallery of Art de Washington a rendu un coq en bronze en décembre, à peu près au même moment où le musée du Quai Branly de Paris a orchestré la restitution de 26 objets au Nigeria. Ce mouvement a déclenché exactement le genre de réaction en chaîne auquel on pourrait s’attendre, chaque nouveau retour soulevant de nouvelles questions sur ce qui devrait être restitué. L’Éthiopie a reçu de la Grande-Bretagne la plus grande restitution de trésors de son histoire. Les appels au rapatriement d’autres objets, par exemple ceux pillés en Asie, se sont multipliés. Des musées américains ont été cités dans les “Pandora Papers” pour avoir conservé des œuvres d’art cambodgiennes pillées, et le Denver Museum a rapatrié quatre œuvres. Même la quête pour la restitution des marbres du Parthénon à la Grèce a commencé à prendre de l’ampleur – l’Italie a annoncé qu’elle remettait un fragment en décembre. Pourtant, le gouvernement de Boris Johnson n’était pas prêt à bouger en Grande-Bretagne, même après la découverte d’un vieil article montrant que le conservateur avait lui-même soutenu que les marbres appartenaient à la Grèce ensoleillée. Jusqu’où il ira est une grande question en 2022.
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L’union fait la force
Le monde des musées a eu sa propre version de “Striketober”, la vague d’agitation syndicale qui a déferlé sur le pays à l’automne, avec des victoires arrachées de haute lutte dans des entreprises comme John Deere et Kellogg’s. Dans le monde des musées, le nouvel élan syndical a été contagieux et a traversé l’année, les institutions du pays faisant face à des campagnes syndicales, du Whitney et de l’Hispanic Society en mai au Brooklyn Museum en août et au Baltimore Museum en octobre. L’austérité et la dislocation de l’ère pandémique se sont heurtées à la tendance à long terme de la stagnation des conditions, à l’inspiration par l’exemple des récentes protestations politiques et au rejet de plus en plus endémique de l’idée que les récompenses spirituelles du travail dans la culture justifient un salaire et des avantages sociaux à peine vivables. Les analystes aiment parler de la prolétarisation des classes professionnelles comme étant l’un des lieux de radicalisation de notre ordre économique en rapide décomposition. Les révoltes du personnel des musées en 2021 en sont un bon exemple. L’un des véritables points lumineux d’une année sombre.
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La forêt noire
Tous ceux à qui vous parlez vous disent à quel point le discours en ligne est devenu aliénant et dégradé. L’idée de la “forêt noire” a été popularisée par l’écrivain Caroline Busta, qui co-dirige le salon New Models, alimenté par Patreon, avec les critiques d’art Daniel Keller et Lil Internet. En général, l’idée est que le “clearnet”, la partie de l’internet qui est gouvernée par des algorithmes d’attention et qui récompense les réactions instantanées mal raisonnées et/ou la banalité, a été décolorée de son sens, tandis que les hiérarchies inaccessibles du monde de l’art l’ont laissé de plus en plus déconnecté de beaucoup de nouvelles énergies, provoquant un mouvement conscient des créateurs culturels intelligents loin de ces espaces. L’article de Ben Smith dans le NYT sur la scène de Dimes Square comme un “déplacement vers des espaces à l’abri des médias sociaux” était le monde des grands médias, le plus clair de l’apprentissage, qui prenait note, même si les jeunes fêtards cool du centre-ville ne sont qu’un nœud d’un mouvement plus large d’énergie inchoative des médias alternatifs. Alors que les clics et les likes dominent plus que jamais l’imagination populaire dans l’économie de l’attention perfectionnée par l’IA de l’ère TikTok, il est également possible qu’un nouveau type de cool soit redéfini contre elle.
