La conversation sur les effets de l’intelligence artificielle sur l’art a dominé l’année. Je n’ai probablement même pas besoin de le dire.
Le fait est que les effets de l’intelligence artificielle sur « l’art » ne sont, à bien des égards, pas si importants que cela, dans le contexte général de l’impact de la technologie sur le monde. Je pense souvent que les géants de la technologie veulent que les gens se concentrent sur le sort de « l’art », parce qu’il a des résultats plus positifs – ou du moins plus ambigus – que les effets de l’IA sur d’autres domaines de la vie (l’économie, l’environnement, le concept de vérité vérifiable).
Cette technologie produira-t-elle des choses géniales ? Oui, bien sûr ! Peut-elle être une source d’inspiration pour les bons artistes ? Oui, bien sûr !
Cependant, les implications de l’I.A. pour l’art sont un véritable terrain qu’il convient d’explorer de manière critique. Refik Anadol est la grande star du monde des artistes qui travaillent avec l’intelligence artificielle. J’ai commencé mon année en examinant sa gigantesque pièce vidéo générative au MoMA, qui utilisait la collection du célèbre musée pour créer de nouvelles images infinies et loufoques à partir de ses données.
Anadol a joyeusement expliqué que son inspiration pour de telles œuvres d’art génératives était la nouvelle de Jorge Luis Borges, La bibliothèque de Babel, avec sa vision d’une bibliothèque infinie qui permutait le langage dans toutes les combinaisons possibles. Mais la morale explicite de cette histoire est que, lorsque la société réalise pleinement les implications d’une telle situation, tout sens s’effondre et les humains se suicident collectivement. Je me dis donc que le niveau de la discussion intellectuelle ici est bas.
Je le dis toujours : La futurologie, c’est surtout des gens qui vous disent ce que les entreprises sont déjà en train de faire. Ici, j’essaie d’éviter les prédictions telles que « l’art devient plus interactif » ou « le contenu illimité à la demande », parce qu’il est évident que cela ne fait que réitérer la proposition sur laquelle l’I.A. générative est vendue. L’année dernière, j’ai écrit un essai intitulé « A.I. Aesthetics and Capitalism » dans mon livre Art in the After-Culture. Ce livre est sorti avant la grande vague d’I.A. générative définie par Dall-E et consorts, mais l’approche de base que j’y expose me semble plus pertinente que jamais.
Le point principal est que l’ »art » est défini socialement et non formellement. Formés à la vaste mer d’images sur l’internet, les générateurs d’art de l’I.A. produisent des choses qui ont beaucoup des qualités formelles des choses que nous aimons regarder, et qui sont appelées art. Mais ce qui peut être fait facilement avec la technologie n’est pas ce qui sera reconnu comme « art », parce que l’art est par définition le cas exceptionnel de quelque chose, et non le cas par défaut. Si les générateurs d’I.A. permettent, par exemple, d’écrire des vers rimés ou d’appeler des illusions d’optique en un seul clic, alors ces formes ont été banalisées.
Une conséquence de ce cadre est que, si vous voulez prédire l’avenir de « l’art » dans l’ombre de l’I.A. générative, vous ne devez pas vous concentrer sur ce que la technologie rend facile à faire. Vous voulez vous concentrer sur ce qu’elle ne fait pas, ou sur ce qui reste difficile à faire, parce que c’est dans cette direction qu’il faut aller.
6) L’esthétique parasociale devient parabolique
Devon Rodriguez, dont les vidéos TikTok où il dessine des gens dans le métro ont fait de lui l’un des artistes les plus populaires au monde, a terminé l’année avec un partenariat avec Blue Bottle Coffee. Ce partenariat a été baptisé “Human-Generated Art Experiment” (expérience d’art généré par l’homme). Pour l’occasion, il s’est confronté à une IA génératrice d’art afin de déterminer qui, de lui ou de l’IA, pouvait créer l’image la plus émouvante d’une personne buvant un café.
“Les participants ont assisté en temps réel à ces deux processus très différents, tandis que Rodriguez donnait vie à sa peinture à l’huile réaliste pendant sept heures”, explique le communiqué de presse de Blue Bottle. “Les spectateurs ont également découvert les 20 ans et plus de savoir-faire artistique de la marque dans le domaine du café délicieusement préparé, ce qui les a incités à intégrer le rituel du café coulé dans leur routine matinale.
L’événement a attiré mon attention parce que Rodriguez est un grand exemple de ce que j’appelle “l’esthétique parasociale”, c’est-à-dire une pratique artistique où l’attachement du public à l’artiste en tant que personnage est aussi important, voire plus important, que l’intérêt pour la qualité des œuvres d’art elles-mêmes. Il est donc révélateur qu’il soit l’artiste choisi pour s’opposer à l’I.A.
Si les relations parasociales étaient importantes à l’époque de l’art des influenceurs, elles le seront encore plus à l’époque de l’art de l’IA.
Que reste-t-il lorsqu’une IA peut rapidement abstraire votre mode d’expression caractéristique et recracher quelque chose qui ressemble exactement à ce que vous avez fait ? Il ne reste que vous, la personne, et votre lien réel avec votre propre image en tant que créateur. Le corollaire logique de l’omniprésence de l’IA créative est l’omniprésence de l’artiste lui-même, en tant que personnage.
Lorsqu’une grande partie du travail créatif se fait automatiquement, le spectateur voudra littéralement voir l’artiste à l’œuvre, pour comprendre ce qu’est vraiment le caractère de la partie humaine du processus créatif. Être une personnalité visible est indispensable à une pratique artistique réussie, quel que soit le type d’artiste.
7) Renégociation des crédits
Ces dernières semaines, YouTube a été obsédé par un essai vidéo de près de quatre heures réalisé par un certain “Hbomberguy”, qui détaille le fléau du plagiat dans les essais vidéo sur YouTube. Il montre comment des empires de contenu lucratifs sont construits en prenant des documentaires qui ont été réalisés pendant des années, en reprenant l’intégralité de leur scénario et en le lisant sur des images d’archives. Ou en s’appropriant les recherches d’autres personnes et en les transformant en cours magistral, en prétendant avoir étudié le sujet.
Hbomberguy montre à quel point ces vols de contenu ne demandent que peu d’efforts, en illustrant comment les scripts sont identiques mot pour mot, côte à côte. Malheureusement, l’IA générative est spécifiquement conçue pour porter le piratage de contenu à faible effort à de nouveaux sommets de rapidité et de commodité, comme le note Hbomberguy aux alentours de 3:40 dans sa vidéo. Après tout, ces systèmes sont basés sur l’appropriation de la culture mondiale pour s’entraîner gratuitement !
Je m’attends à de nouvelles formes d’art basées sur le remixage en temps réel. Mais étant donné que, poussé à son terme logique, ce type de culture de l’appropriation instantanée fait imploser l’internet en détruisant la plupart des incitations à réaliser des œuvres originales, je m’attendrais également à des niveaux beaucoup plus élevés de paranoïa ambiante, de ressentiment et d’acrimonie concernant les aspects de l’expression qui sont originaux ou volés, ce qui constitue un crédit acceptable et qui en bénéficie. Et presque certainement beaucoup plus de paywalls.
8) Sabotage Chic
Quelles que soient ses promesses de glorieuse productivité utopique, l’I.A. va entrer dans la vie d’un très grand nombre de personnes – dont les artistes – comme une force de perturbation sauvage, poussée par des entreprises sans scrupules et insensibles, avec toutes les associations culturelles négatives qui en résultent. Ainsi, alors que j’imagine un grand nombre de personnes faire des choses avec l’I.A., j’imagine aussi qu’une partie de l’art très visible consistera à essayer de la casser, de la saper, de la pirater et d’exposer ses limites à un examen minutieux.
C’était déjà une tendance dominante chez les artistes bien avant la nouvelle vague de l’art de l’I.A., à l’image de la Roulette ImageNet de Kate Crawford et Trevor Paglen en 2019, qui semble maintenant prophétique, et qui a effectivement provoqué une conversation généralisée sur les biais des ensembles d’entraînement de l’I.A. (et même une certaine action). Crawford et Vladan Joler, d’ailleurs, présentent actuellement une importante installation à la Fondazione Prada, “Calculating Empires”, sur l’histoire de la relation entre la technologie et les systèmes de pouvoir, en guise d’avertissement sur les impacts potentiellement malveillants de l’I.A. aujourd’hui.
Cette année, alors que l’I.A. générative a surfé sur une vague d’engouement, des projets comme Nightshade ont attiré autant, voire plus, d’attention que n’importe quelle œuvre d’art d’I.A.. Créé par une équipe de chercheurs, dont Ben Zhao de l’université de Chicago, Nightshade est un outil qui permet aux artistes d'”empoisonner” l’I.A. qui est entraînée sur leurs œuvres sans autorisation, dans le but de saper ces systèmes.
Mat Dryhurst et Holly Herndon sont les premiers gourous de l’I.A. dans le domaine de l’art. Ils ont fait un travail important pour penser la technologie de manière réfléchie avec leur projet Holly+, qui crée un doppelgänger numérique de la voix d’Herndon avec lequel les collaborateurs musicaux potentiels peuvent travailler. Pourtant, en cette année de percées dans le domaine de l’I.A., c’est Spawning.ai qui a le plus attiré l’attention du public, avec son initiative visant à permettre aux artistes d’exclure leurs œuvres de l’I.A. et, théoriquement, de reprendre le contrôle.
Maintenant que les outils d’imagerie de l’I.A. n’intéressent plus seulement les férus de technologie et qu’ils sont poussés agressivement dans tous les recoins possibles de la vie contemporaine, on peut s’attendre à ce que les efforts des artistes se radicalisent, passant de la “provocation d’une conversation” sur les préjugés à une véritable perturbation.
9) Le choc des anciens
Alors que l’I.A. stimule la production d’images sans cesse nouvelles et ultra-personnalisées, je ne peux m’empêcher de penser que cela pousse les systèmes d’évaluation vers l’ancien. L’accent est mis sur les ressources qui ne peuvent être générées à l’infini, les types de culture qui ont une véritable histoire humaine et des souvenirs établis et partagés autour d’eux. Il y aura beaucoup de nostalgie pré-AI.
L’histoire de l’art a tendance à se déplacer à mesure que les nouvelles technologies réécrivent les valeurs. L’art médiéval était considéré comme primitif et associé à la décadence culturelle de l’âge des ténèbres, jusqu’à la renaissance médiévale en Grande-Bretagne au XIXe siècle. La révolution industrielle a apporté beaucoup de misère et de nouvelles formes d’aliénation, à la fois au travail et dans les produits consommés. En retour, la classe intellectuelle s’est intéressée au fait main, à la production artisanale et au romantisme imaginé des temps pré-modernes. (Cet intérêt a même pris une coloration politique et socialiste dans le mouvement Arts and Crafts de William Morris).
Je ne sais pas exactement quels types d’artisanat ou quelle époque précise l’imagination contemporaine pourrait se tourner pour trouver une source d’inspiration. Une grande partie de l’énergie récente a été consacrée au romantisme de l’art occulte et des systèmes mystiques, en réponse à la déshumanisation numérique. Par ailleurs, le New York Times explique que la forge est désormais “à la mode”…
Mais je m’attends à ce qu’il y ait beaucoup d’art basé sur une sorte de nouveau modèle de revivalisme historique, probablement avec une intensité exactement proportionnelle à la façon dont cette vague d’I.A. s’avère être perturbatrice. Et je m’attends à ce que la valeur des antiquités augmente.
10) Le dualisme numérique performatif
Dans un récent podcast avec Joshua Citarella, le philosophe Benjamin Bratton a émis l’hypothèse que, tout comme Instagram a amené les artistes à considérer leurs œuvres d’art comme des toiles de fond potentielles pour l’affichage social, les générateurs d’IA sont susceptibles d’amener les artistes à considérer leurs œuvres d’art sous l’angle de données d’entraînement potentielles pour les modèles d’IA.
Que vous réagissiez avec ou contre cette situation, c’est la réalité telle qu’elle se présente à la fin de l’année 2023. Une fois qu’une image artistique donnée entre dans la zone de visibilité des gratteurs de données, elle ne devient pas une œuvre discrète, mais une ressource à abstraire et à recombiner ; une matière première à référencer immédiatement ; un point insignifiant dans une mer de variantes infinies, hors de notre contrôle.
Je vois le “génie” individuel perdre son statut, évoluer vers un état symbiotique et cybernétique avec d’autres cellules, structures, racines, réseaux et organismes”, a récemment déclaré l’artiste Marianna Simnett à ma collègue Min Chen, en parlant de l’impact de l’I.A. Elle considère cela comme une bonne chose, mais pour les artistes qui veulent se considérer comme des créateurs ayant encore une sorte d’identité spéciale et individuelle, cela pourrait se faire par une certaine forme de retrait de l’espace numérique lui-même.
Il y a une dizaine d’années, il y a eu une conversation théorique intense sur les erreurs du “dualisme numérique” (terme de Nathan Jurgenson), la croyance que la “vie réelle” était en quelque sorte opposée à la “vie numérique”, alors qu’en réalité les deux s’interpénètrent de toutes sortes de façons profondes. Mais je suppose qu’à mesure que l’espace numérique est dominé par des acteurs inhumains, les gens pourraient vouloir rétablir une sorte de “dualisme numérique performatif”, afin de créer des espaces où les images ne sont pas perçues comme des outils d’entraînement immédiatement aspirés par le flux de l’intelligence artificielle.
Bien sûr, le sentiment de la spécificité absolue d’une rencontre IRL avec une œuvre d’art est en quelque sorte une mystification, une histoire que nous nous racontons à nous-mêmes. Si la situation actuelle pousse les spectateurs d’œuvres d’art à ne pas recréer certaines images sous des formes accessibles en dehors du culte particulier de leur présence, alors nous sommes essentiellement en train de reconstruire une sorte d’expérience sacrée de l’art, pour l’ère extrêmement désacralisée de l’I.A.-art.
Bien sûr, nous parlons ici d’intérêts technologiques géants, de sorte qu’une perturbation significative est très, très difficile, même à la marge. Mais, encore une fois, c’est ce qui est difficile à faire qui ressemble à de l’art.
